由中国民族管弦乐学会、武汉音乐学院主办的第四届“华乐杯”中国民族器乐作品评论终评活动于2024年11月2日在武汉音乐学院（滨江校区）招就楼一楼报告厅正式召开。
本届“华乐杯”终评活动由论文宣讲与点评、学术对谈、学术报告三个部分构成。在开幕式之后（详见推文链接），正式进入终评活动的核心环节：论文宣讲与点评。
本次进入终评的选手共有17名，他们围绕参赛论文展开现场讲述，终评评委则对选手的论文及宣讲进行点评与指导。评委组由9位专家构成，他们分别是武汉音乐学院的胡志平教授、蔡际洲教授、孙凡教授，上海音乐学院的郭树荟教授，中央音乐学院的蒲方教授、吴晓萍教授，山东艺术学院彭丽教授，华南理工大学艺术学院的沈云芳教授，以及北京电子科技职业学院艺术学院的白晓炜教授。
胡志平教授
蔡际洲教授
孙凡教授
郭树荟教授
蒲方教授
彭丽教授
沈云芳教授
吴晓萍教授
白晓炜教授
本次终评活动的论文宣讲与点评环节分为“优秀民乐作品评论”（12篇）和“荆楚风格作品评论”（5篇）两部分，于11月2日全天和3日上午分3场进行。终评评委从17位选手中评选出8篇优秀论文。选手们宣讲的话题涉及当代民乐作品创作的音响特征、文化特性、音色探索、作曲思维、表现意象等多个面向，展现了选手们活跃的思维以及对民乐艺术的多维思考。
“优秀民乐作品评论”的论文宣讲与点评2日上午场由武汉音乐学院教师陈心杰博士担任主持，福建师范大学音乐学院曾焕伟、中央音乐学胡诗杰和朱茁然、上海音乐学院刘睿昕、华南理工大学艺术学院莫婉仪5位选手先后宣讲。
曾焕伟的发言论文题目是《水墨造型思维于当代民族室内乐创作的音响转化路径解析—以刘青<点轨迹>第二乐章为例》。他通过介绍音响转化路径，解读了作曲家的音乐创作思维——“造型思维”，即以“线”与“点”作为基本造型，通过散化节韵的流动、音色控制等技术手段塑造出线性留白、水墨形态下的结构布局以及线流音响形态。他还基于中国古典文化的审美影响，引入了水墨意蕴，阐述了《点轨迹》这一作品中展露出的中国古典式的水墨美感内涵。
沈云芳教授和蒲方教授进行了点评。沈老师首先就两个问题进行探讨：1.关于节奏与节律的文字表述问题；2.关于留白技法如何呈现的问题。其次，沈老师提出了关于文章用词精确的建议，她指出“墨韵张驰”一词用在结构上会更好，“发展节奏”“复风格的对位”“线状风格”“韵味风格”等用词则因意义不够明确而有待商榷。蒲老师首先肯定了选手从音乐与绘画融合的视角来评论作品，同时建议应多从音乐的整体结构进行分析，深入探究作曲家美学上的追求。其次，蒲老师建议应从节目单或采访上引用一些作曲家自己的音乐设想到文本中，会更有说服力。
胡诗杰的发言论文题目是《于立体山水中，寻民乐的对话融合路径——评史付红<高山流水——绝弦>》。她介绍了此作品的背景：原是中国当代作曲家史付红为低音革胡与民族管弦乐队而作的协奏曲，后经改编成为低音提琴与民族管弦乐队协奏曲。其次，她通过声音的时间结构、声音的立体空间以及民乐的重塑融合三个方面论述了作曲家对传统文化的当代诠释以及对声音融合对话的追求。
彭丽教授、孙凡教授进行了点评。彭老师指出选手将国乐与国画结合是一个很好的视角，体现出开拓的学科思维。此外，她强调应关注作品创作背景，低音革胡换成低音提琴的原因应深入探究，并补充了自己采访香港中乐团时的一些见闻，给予了选手一些启示。孙老师首先认为作曲家选用低音革胡作为主奏乐器很少见，同意彭老师的意见，应对作曲家选择低音革胡的意图做进一步阐述；其次，她建议作者对乐队与低音革胡间的协奏关系加强分析；最后，她与选手就写作规范进行了讨论。郭树荟教授补充指出，协奏曲具有乐器对话融合的含义，这种对话存在于乐器、乐队以及作曲家之间，而高山流水，自古就是一段佳话，这种具有中国传统文化内涵的作品应把作曲家与乐器之间的对话更加突出强调。
朱茁然的发言论文题目是《小园香径独徘徊——评徐海博低音琵琶与钢琴作品<优昙华>》。她通过对作品音乐语言到首演者的若干演奏版本等多个层面进行分析，阐释了作品“生死轮回、枯荣有时”的哲学意蕴与音乐内容之间的内在联系。并论述了表演者自身的理解与感受，解释了作品的真正内涵。
白晓炜教授和胡志平教授进行了点评。白老师指出应强调作品的本体研究，提出器乐作品评论的出发点应落在音乐层面，之后可以再从其他层面分析，作品的本体分析是第一位的。胡老师指出选手的文章标题很有诗意，同时提出两点建议：1.文章深意可以加强，例如音响结构、乐曲内涵可以深入探究；2.作品本体的音乐分析需深入，可以从节奏、曲式、材料发展、旋律造型等方面进一步分析。
刘睿昕的发言论文题目是《客与舟及岸——从秦文琛<阮组曲>看中国当代音乐创作中的简约性思维》。他通过分析作品中“客”“舟”“岸”三个层面所隐喻的“简约性”，论述了《阮组曲》的“简约性”从何来，如何表现，又能为当下的中国音乐创作带来了怎样的启示等话题。并提出中国当代音乐的“简约性”思维能到何“岸”是需要整个中国作曲家群体一同努力探索的。
蒲方教授和彭丽教授进行了点评。蒲老师指出标题中的“客”“舟”“岸”应加引号，以表示是三种层次。其次，她与选手探讨了关于简约性与东方风格的联系的话题，其中涉及“在秦文琛老师作品中更强调‘单一化’还是更强调‘简约化’？”“简约性或者是简约主义是不是也呈现一些东方的作曲思路？”等问题，她指出中国当代音乐中的“简约性”创作思维是一个很好的话题。
彭老师首先肯定了文章的切入点，认为文章标题“客”“舟”“岸”的使用很有意思。其次，她指出“简约性”“简约主义”“简约派”三个词是具有多维度的视角，如何界定和应用到一个专业的作品中去还需考量，并延申出关于中西艺术借鉴如何把控问题的思考。最后，她谈到对大家写民乐评论的感触，提出应加强对民乐本身和民族管弦乐队本身的思考。郭树荟教授补充点评。她提出作曲家秦文琛老师有着特殊的草原文化背景，如何在“即兴”和“简约性”这个层次上表达出作曲家这种东方情和民间性的特质，仍需要再思考。
莫婉仪的发言论文题目是《夫物芸芸，各复归其根——析李博禅琵琶四重奏<悄然>》。她选用当代青年作曲家李博禅的琵琶四重奏《悄然》，通过分析乐曲中的结构布局、核心音调、音响构设以及声场构建等多个维度之间的紧密关系，阐释了作曲家独特的巧妙构思，并展开论述作品创作的立意和其蕴含的精神内核。
郭树荟教授和吴晓萍教授进行了点评。郭老师提出了三点建议：1.这一作品所用的三段体结构是中国音乐作品普遍用的曲式结构，这种结构是否可以体现自然观这一点可以考虑；2.四重奏中的琵琶在音响、润腔、技法的层面应着重强调分析；3.作品分析与价值升华的衔接应再商榷。吴老师与选手关于两个问题进行了探讨：1.关于作品象征性意味如何阐释的问题，吴晓萍教授指出应从曲式结构、作曲家的创作理念、作曲家的创作背景等方面去探究。2.关于如何站在作曲家的视角去领悟作品的深刻意义的问题，她指出在音乐评论中应变化多种视角去探究作品意义。蒲方老师补充点评。她指出选手应关注主题的选择问题。此外，她提出要考虑声音建构的问题，强调要从民族器乐演奏特点这一方面去思考。
“优秀民乐作品评论”论文宣讲和点评2日下午场于14：00继续进行，西安音乐学院的高戈莹、华南理工学院艺术学院的黄婷、福建师范大学音乐学院的舒丹、浙江音乐学院的杨阳、中央民族大学音乐学院的杨陈橙、中央音乐学院的黎泳婧七位选手进行了论文宣讲。
高戈莹的题目为《“捭”与“阖”之间：古琴重奏曲<捭阖>中的音乐形象与音色探索》。首先高戈莹介绍了乐曲《捭阖》的创作背景及灵感来源，接后，她从音乐形象与音色的角度，深入剖析了《捭阖》中的创新之处，该作品通过两张古琴模拟争辩，运用散音和泛音形成对比，创新演奏技法，表达作品内涵。她还探讨了作品创新与传统结合，提出学院派古琴教学对记谱、唱弦及左手技法的影响，认为成功的古琴新作品需深刻理解传统音乐内涵。最后呼吁作曲家从表演者处境出发，保持创作力与传统间的张力，为古琴新作品创作提供思考。
蔡际洲教授、蒲方教授和郭树荟教授进行点评。蔡际洲教授首先肯定高戈莹同学会弹奏古琴，十分了解其表现特点，并敢于指出作品的不足，值得鼓励。同时指出个别措辞表述不清的问题，并建议可以深入静态乐谱形态与动态音响形态的结合分析。随后，蒲方教授和郭树荟教授补充认为文中提到古琴 “演奏非乐音是一种创新”的观点则有待商榷。
黄婷的题目为《“戏”韵武“声”——王云飞民族室内乐<武生>的解析》。她首先介绍了乐曲《武生》这一曲目的创作背景。并从结构形态、旋律构思及音响塑造三方面入手，指出作品采用文武场交相分别的循环结构，与民间吹打音乐结构有异曲同工之妙。并详细解析了作品中主题旋律的交织方式，塑造出浓郁的戏曲氛围。值得一提的是，她着重解读了作品中对锣鼓经的运用。通过单个锣鼓经及组合运用的分析，指出《武生》是对京剧音乐元素的创新再创造，展现出其中京剧音乐与民族室内乐融合的特点。
吴晓萍教授和白晓炜教授进行点评。吴晓萍教授首先认为其中详细分析了乐曲的运用手法，对作品中锣鼓经的运用总结到位，细致清晰，文章框架具有逻辑。随后就其中问题给出建议，可以精进对于地方戏曲的技法写作和调式的分析，对“结构力”概念的表达要更加严谨。白晓炜教授认同以上观点，同时建议文章的出发点应表述得更为清晰。
舒丹的题目为《以云起兴——筝曲<望云赋>的“云”意象三重诠释》。她就古筝曲《望云赋》进行了深度解析。该曲以“云”为媒介，她从三重维度对作品进行了解构：表层云之赋、中层云之情、深层云之志。表层体现中国传统音乐结构与陕西风格；中层表达作曲家情感与时空对话；深层蕴含学术使命与精神追求。舒丹指出，《望云赋》通过巧妙的构思和精湛的创作技法，将个人情感、学术使命和精神追求融为一体，展现了作曲家深厚的艺术功底和独特的创作风格。
吴晓萍教授、彭丽教授和蒲方教授进行点评。吴晓萍教授首先提到该作品有传承特色，且从浅层、中层、深层三方面诠释，整体构思完整，思路清晰。并且在文章中引用大量诗句，语言优美流畅。又指出两个主要问题：一是关于转调方面，是否应将悬宫转调与作品结构相结合，尚需进一步探讨；二是文章应更加聚焦于作品结构与主题精神及意象的融合。此外，认为对核心观点“云”的阐述较少。彭丽教授也提及传统音乐的分析问题。最后蒲方教授就陕西音乐风格与选手展开讨论，最终认为对于风格的分析与界定还需谨慎考虑。
周岫樾的题目为《“声”“形”“意”的合一——评陈哲作品<麻辣九宫格>》。她首先讲述该曲的创作来源。提到这首曲目以四川火锅为灵感，融合了四川民歌和川江号子元素，展现出独特的江湖气息。进而从声、形、意三个方面对作品进行阐释，指出其音声形式与麻辣感官体验的同构，以及声部关系中的协作与平等关系。后又分析了作品中的空间感和声场转移的创新手法，以及如何通过异质同构方式实现形式与内容的深度融合。最后，她还赞赏了作曲家陈哲老师长期全面参与古筝创作、表演、教学和排练当中，认为这为其推陈出新提供了坚实基础。
郭树荟教授、白晓炜教授和胡志平教授进行点评。郭树荟教授先对周岫樾同学的演讲热情和写作风格给予肯定，认为该文章写作清晰，分析细致，希望继续保持写作热情。之后提出标题选择可再斟酌，可以更加突出“麻辣”特点。作品分析中再大胆一些。其中的美学视角可继续延伸。白晓炜教授也建议文章可以从更多角度分析乐曲的创新立意。最后胡志平教授就文章中提到的古筝“点”“线”技法表达了自己的见解。
浙江音乐学院教师杨阳博士的论文题目为《汇南北乐韵，发笛音新语——秦文琛<咏笛>的当代中国民乐独奏创作表述》。在宣讲中，他从《咏笛》所展现的声响性和民族性出发，详细分析了作品的整体结构与构思，并以南方曲笛曲《鹧鸪飞》和北方梆笛曲《喜相逢》为参照，从音乐素材、演奏技法和听觉效果三个方面进行阐述，指出其中的音乐语汇融合了南北笛乐风格的同时，还融入了当代音乐的特点。他认为，《咏笛》不仅展现了作曲家在民乐独奏创作领域的深厚功底和创新精神，更体现了传统与现代融合的趋势。
孙凡教授和蒲方教授进行了点评。孙老师首先给予了肯定，她认为杨阳对作品的分析细致全面，条理清晰，特别是以南方曲笛和北方梆笛代表曲目为参照，从音乐素材、演奏技法和听觉效果三个方面对《咏笛》“汇南北乐韵”风格的阐述，观点明确。她对文章中部分问题与杨阳展开讨论，认为分析当代作品时直接运用传统曲目作为参照的方式值得商榷，建议可以把关注点更多地放在对新器乐语言的讨论中。随后蒲方老师也就这一问题提出建议，认为文章可以继续加深对乐曲构成思路的分析，传统与现代融合的解读可再商讨。
中央民族大学音乐学院杨陈橙同学的题目为《调式偏音的游戏，中西交融之鸣响——评于洋扬琴重奏曲<西行>》。她从多元、抒情、着色、和鸣四方面对乐曲《西行》进行了深入评析。她指出，《西行》融合了丝路文化的历史特征和当今人文情怀，通过个性化的技法表达普遍情感，引起广泛共鸣。作品中旋宫转调和色彩性转调的调性变化成为引导听众探索音乐的重要线索。此外，她还强调了中西融合的创作思想在作品中的重要性，认为中国传统音乐的个性表达和西方作曲技术的合理共存是当代中国作曲家创作的标杆。
沈云芳教授进行了点评。她首先对文章的完整性给予了肯定，称赞其文字流畅且表述清晰。接着，她指出了文章存在的三个问题：一是丝绸之路等概念的介绍较多，文章框架在某些部分出现重叠，且文章的升华部分略显偏离主题；二是标题与内容之间的关联不够紧密，建议标题应更加贴切地反映文章主题；三是文章内容侧重于感性描述，对音乐的专业分析相对较少。
中央音乐学院黎泳婧同学的题目为《重复与差异——从姚晨的<怀古>看传统的现代性建构》。她首先从后现代主义学说介绍了“重复”与“差异”两个核心概念，并探讨了该作品在蒙太奇意识、动态平衡以及三维空间立体化思维等方面的独特表现。她认为《怀古》巧妙地以重复为创新基础，利用传统素材、技法、体裁等的“重复”，让传统与现代的差异得以凸显。最后她总结到，姚晨在《怀古》中不仅展现了精湛的音乐技艺，更体现了他对现代性的批判与自由创造之精神。
沈云芳教授和胡志平教授进行点评。沈老师首先对黎泳婧同学的创作性思维给予肯定，认为其文章中运用的创新性音乐语言具有启发性。接着，她建议文章可以更多从音乐表现方面解读乐曲的现代性。并就文章中提及的“重复”与“差异”这两个核心概念与黎泳婧同学展开了探讨，认为核心概念的论述可以更为清晰。随后，胡老师同样指出，文章可以进一步解读乐曲的素材来源，并提醒选手注意，将后现代概念用于音乐作品解读的合理性还有待商榷。
“荆楚专题论文宣讲与点评”于“华乐杯”终评活动第二日8:30开始。共五位选手进行了论文宣讲，武汉音乐学院音乐学系袁利军教授担任主持。
武汉音乐学院陈钰同学的题目为《“楚韵编钟，礼乐传承”——评编钟与民族管弦乐<楚宫夜宴>》。她首先指出作品结合了湖北地方民族民间“三声腔”的元素，并对楚国礼乐制度下编钟的独特用法加以介绍，结合音乐分析，提出作品具有现代创作手法与传统音乐元素结合的特点。她认为，作品中音声的象征意义与“礼乐相和”的文化特征，体现了荆楚地区音乐文化的包容性。
胡志平教授与吴晓萍教授进行了点评。胡老师提出了三点建议：一，关于宫廷音乐、楚地音乐和民间音乐的关联如何体现还需考量；二，仪式性的编钟所象征的古代礼乐制度需从多个层面进行联系；三，关于作品结构方面，以及作曲家在这个作品的构思和创作的过程中采取了怎样的理念来表达，这一问题可以继续深挖。吴老师提出两点建议：一，应去现场获取作品的实况音响；二，编钟作为一件独立的乐器，应了解其相关的演奏形式。
中国音乐学院赵心瑜宣讲的题目为《歌哭同源，悲喜相乘——赵曦民族室内乐<家>析评》。她指出作品的创作以鄂西土家族女性出嫁仪式为背景，通过下行大二度核心动机“E-D”及其变体的贯穿，结合中西音乐技法，构建开放性的叙事结构，描绘土家族婚嫁仪式的人文魅力与社会文化内涵。她认为，作品在以悲为喜、悲喜交织的“大团圆”美学思想指导下，着力规避哭嫁习俗中的悲剧性元素，展现了对美好生活的向往。
沈云芳教授和孙凡教授对其文章进行点评。沈老师认为文章中对“悲喜同源”的意识应从多个方面进行解读，并指出文中应对作品的乐器组合形式作交代，对核心音调素材、音乐动机等表述的运用应明确；随后与赵心瑜同学对“曲式结构的开放性”进行探讨；最后，对于论文中的表述、文章的升华等部分提出了建议。孙老师首先表扬文章抓住了作品的重点，比如“减三声”、下行的哭腔音调以及歌哭的悲喜交集的内涵；其次，指出文中不足之处是对“开放性结构”的表述不够清晰。
武汉音乐学院许海鑫宣讲的题目是《钟声楚梦，悲韵遗响——评编钟与民族管弦乐曲<穆商殇>》。他指出该作品全曲以“悲”为基调，将中国传统音乐文化与现代作曲技法相结合，以“穆商”二字为引，以琴曲《离骚》与琴歌《竹枝词》为主题素材贯穿全曲。通过对乐曲结构、编钟在音乐中的作用等方面来探究《穆商殇》的艺术特色，并探讨了作品的表现内容及其带给我们的后示。
蔡际洲教授、白晓炜教授进行了点评。蔡老师提醒注意遣词造句上的形式逻辑及文章的章法逻辑，指出文章中部分措辞存在的问题，比如标题的内涵互相之间不要相互包含等。白老师提出两点建议：一是注意文字要有逻辑、有美感；二是对于结尾部分的升华要基于作品本身。蒲老师作了补充，提醒选手思考如何在学术探讨中确立公正、客观的价值判断标准。
中央音乐学院刘黛妮宣讲的题目是《琴台筝声会知⾳——评古筝协奏曲<琴台之⾳》。她指出作品的构思以中国古典文化中的“知音美谈”为核心，其音调结合了荆楚地区民间音乐特点。她认为，作曲家以高超的“技艺”作为坚实基础，以及对中华优秀传统文化中的精神内涵之诠释，这些诸多要素共同保证了作品的艺术性以及区域特色。
彭丽教授和胡志平教授进行点评。彭老师给出三点建议：一是关于题目的层级，其中逻辑关系、字数的比重需重新考虑；二是部分语言还可以再斟酌、调整，结语部分表达不够明确；三是有关作品的技术分析还需再深入。胡老师就文章指出四点问题：一是资料工作还可以更精细，缺少首演者、指挥乐团、首演地点等信息；二是关于作曲家对乐器的选择，需要再查证；三是演奏版本的原因、整体上的呈现及不同版本的不同之处还可以再深入；四是结语部分不够深刻。
武汉音乐学院王菲儿的论文宣讲题目是《塑“傩仪”之声景，绘民乐以长流——评笙与打击乐合奏<傩舞>》。她通过作品创作灵感、题材与结构以及民间傩文化信仰三方面的论述，描述了作品中所构建的“神性”与“群众性”两个傩仪场景的声音景观。她还结合对荆楚音乐文化及形态特征的分析，深入评述作品对笙乐、对中国传统器乐、对荆楚音乐再度创作的意义。
郭树荟教授和蔡际洲教授进行了点评。郭老师认为乐评应着重文字描述，强调以听觉的实际感受去描述音乐的形态；其次是关于音乐的原生性与再创作的认知问题，提醒选手思考如何界定艺术化创作的“创新”。蔡老师指出文章中的一些细节问题：首先，傩戏是否属于宗教还需商榷；其次，他指出声音景观、音乐地理学这些概念应加注释；最后，在概念的运用上应更严谨，若既有的概念能够清楚表达涵义，就无需重新再创造。
在17位选手的论文宣讲与点评完满结束之后，11日3日上午10:30，本届“华乐杯”进入接下来的两个重要环节：专家对谈和专题讲座。
专家对谈活动旨在通过民族器乐表演和研究领域专家之间的深入交流，推动民乐评论、研究、创作和表演的高质量发展。本次对谈由北京电子科技职业学院艺术学院白晓炜教授主持，武汉音乐学院的胡志平教授、音乐学系蔡际洲教授，上海音乐学院音乐学系的郭树荟教授，山东艺术学院的彭丽教授，及华南理工大学艺术学院的沈云芳教授五位专家参与了对谈。
在本次对谈活动中，专家们深入探讨了民乐的发展历程、创作与研究方法、青年学者的成长路径，以及时代变迁下民乐的新特点。对谈话题不仅触及了民乐创作与传承之间的微妙平衡，还强调了民间音乐学习对于青年学者的不可或缺性，同时，实践在民族音乐学研究中的核心地位也得到了充分认可。此外，专家们还就民族器乐作品评论的独特性，以及作品分析论文的写作技巧分享了宝贵见解。以下是对这些精彩讨论的详细回顾。
胡志平教授首先以丰富的实例，生动展现了中国民乐的发展历程。他指出，中国当代民族管弦乐队在继承东方传统音乐的丰厚资源的同时，也借鉴吸收了西洋交响乐队的原则，形成了独特的艺术风格。胡教授特别强调了每件中国乐器都拥有独特的乐器特性和语言特点，作曲家要想将这些特性最佳地表现出来，就必须真正熟悉乐器，深入了解其性能和表现力。
郭树荟教授在学术积淀与研究方法方面分享了自己的心得。她寄语青年学者，要重视对中国民间音乐的学习，这是无论表演、创作还是理论研究都离不开的最坚实的支撑。同时，她也鼓励青年学者面向未来，勇于在电子数字时代探索新方法，建立新的联系。郭教授还强调了独立思考的重要性，认为学者在鉴定和取舍信息时，必须保持独立的判断和思考。
蔡际洲教授在发言中特别呼吁青年学子，写音乐评论时要始终坚持实践第一的观念。他指出，无论是民族音乐学还是中国传统音乐研究，评论的音乐不能仅仅停留在从谱子到谱子、从音符到音符的“爬格子”阶段。即使在当今科技高度发达的时代，亲身体验仍然是不可替代的。特别是对于各种不同的民族乐器性能的了解，更需要通过亲身实践来获得。
彭丽教授则就中国的民族器乐本身进行了深入剖析。她认为，各个时代都有各自的贡献，使得中国的民族器乐至今仍然辉煌。在新时代的变化下，作曲家创作民族器乐音乐的理念也发生了变化，有了更多的批判性思维和突破。彭教授还对此次活动中对民乐创作和民乐发展的关注情况表示欣慰，并建议青年学子要重视培养写作能力，认为这是基本且共性的能力，比单纯的知识积累更为重要。
在作品分析论文写作方面，沈芸方教授提出了几点具体建议。她认为，在选题和对作品的选择方面，要喜欢、有共鸣；对于作品分析，要立足于音乐作品本身；在分析前，要加强基础知识的学习；对于文章最后的升华和反思，也要基于作品本身进行；此外，对于民乐作品的评论，要对民乐本身有深入了解，并深入民间、到实践中去获取第一手资料。
白晓炜教授对5位专家的发言做了总结：胡志平教授带领我们回顾中国民乐发展历程，揭示了当代民族管弦乐创新的路径，启发我们对传统与现代融合的思考；关于创作与评论的关系，他认为，理论评价是基于作曲家的文本及音乐家的舞台呈现基础上，并经过深入研究后的文字呈现；对于民族器乐作品的评价，如何从评价对象的音响中得到最后的写作灵感并著述于文字，这需要在实践中去发现，正如郭树荟教授强调的“从传统中了解传统音乐”以及蔡际洲教授强调的“到实践中去”的观点，鼓励我们将理论与实践相结合。此外，彭丽教授对写作能力的重视，提醒我们要不断提升自己的表达能力。而沈云芳教授对作品分析的独到见解，则为我们提供了新的视角和方法，启发了我们对音乐作品的更深层次理解。
在专家们深入阐述各自观点之后，活动进入了提问环节。台下的师生们积极踊跃地提出了自己的疑问和思考，专家们则耐心细致地进行了回答。
针对学生提出的“作曲家创作的民族器乐作品不是以传承为目的，而只是借鉴其中因素”这一问题，胡志平教授进行了深入解答。他认为，创作是开放性的，如果作曲家完全按照传统音乐进行创作，那么作品的创造性何在？真正好的作品应该是雅俗共赏的，经得住时间的考验，并为其他作曲家提供灵感和基础。
武音音乐学系的青年教师陈心杰提及，中国民族器乐作品评论不但应该关照作品与创作，也应该关心音乐是如何呈现的。但从此次入选文论情况来看，似乎大家都更偏向于对作品的讨论，对音乐的表演及表演者、音乐会演出情况等缺乏关注度。陈心杰老师也借此机会向专家们提出了“如何写好音乐会的评论”的问题。郭树荟教授对此进行了回应。她指出，首先要抓住整场音乐会最终所呈现出来的主题；其次要关注作曲家、演奏家和时代的联系；在写作技巧上，要突破“人云亦云”式的写作模式，标题也要醒目；最后要持有批判性的精神进行深入思考。她还提出了对音乐会存在意义的深刻思考，认为音乐会作为独立形式存在的意义在于其艺术价值和审美追求。
有学生提问：“我们这场活动是中国民族器乐作品评论，跟中国其他的当代作品评论有什么样的区别，要不要强调民族器乐本身。”彭丽教授认为，这实际上是一个创作和评论、专业与民族民间关系的问题。她强调了一个好的理论评论对于创作的指导性和认知提炼的重要性。同时，她也认为在创作中深挖民间和创新都是好的，这个标准来自评论家自身。共性的东西通过个性的作曲家以不一样的语言去表达并留存下来，就是经典的东西。
最后，彭丽教授还就学生提出的“我们这个时代的声音与以往时代相比，‘新’在哪里？”的问题进行了回答。她认为每个时代都有其独特的“新”，而这种“新”正是通过音乐作品来表达对中华文化的理解。她鼓励创作者与评论者勇于探索新的表现手法和题材内容，不必纠结于对民族性的单一理解。
在3日上午的专家对谈之后，当日下午，本届“华乐杯”系列活动的两场专题讲座如期举办。讲座分别由中央音乐学院的蒲方教授主讲《衡论华乐 承铸文化——民族器乐理论研究的建设与思考》，以及蔡际洲教授主讲《关于音乐评论标准的几点思考》，由武汉音乐学院的孙凡教授主持。终评评委、参赛选手和武汉音乐学院师生共同聆听了两场讲座。
蒲方教授的讲座总览了民族器乐理论研究的历史、现状与前景，并深入探讨了构建基于中国文化的“民族音乐体系”的重要性。讲座中，蒲教授介绍了中国民族管弦乐学会的发展历程及“华乐杯”论文评比活动，强调其对青年学者的培养和对民族器乐理论研究的推动作用。她梳理介绍了多位学者的研究成果，提倡作曲家用中国音乐自己的语言体系进行创作，将民乐置于中国传统文化的大背景下讨论。同时，蒲老师指出，在欣赏当代音乐作品及构建理论体系时，需关注传统器乐的多个方面，并借鉴国内外优秀研究成果。讲座的最后，蒲老师强调中国器乐音乐的传承是在一个个文化历史的链接中生成的，并表示中国当代音乐的创作与表演研究需要反思二元对立逻辑，通过演奏家与作曲家的共同传承与创新来推动民族音乐的发展。
蔡际洲教授在讲座中全面而深入地探讨了音乐评论标准的构建与应用，从学术论文评价标准出发，引申至音乐评论领域，指出音乐评论同样需要科学、系统的评价标准。他结合前人理论与个人实践，提出音乐评论应该设立不同的“本体标准”“文化标准”和“时代标准”，旨在根据不同音乐体裁、文化背景和时代特征进行灵活应用。在此基础上，蔡老师进一步以戏剧音乐为例，详细解析了戏剧性、整体性和可听性三大评论要素，强调了音乐评论需关注音乐与剧本的紧密结合、全剧音乐材料的布局与逻辑以及音乐的欣赏价值与听众接受程度。同时，他也着重指出了音乐评论应秉持客观性、公正性和专业性，评论者需具备扎实的音乐理论知识和丰富的实践经验。通过这些深刻而全面的论述，蔡老师不仅为音乐评论领域提供了新的理论视角，也为推动音乐评论的规范化、专业化发展提供了宝贵的思考与建议。
在讲座的尾声，此次“华乐杯”活动的参赛选手及武汉音乐学院的学生们积极与蒲方教授、蔡际洲教授进行了深入的交流。他们就音乐评论的相关问题提出了自己的见解和疑问，两位教授则耐心地给予了回答和指导。这次交流不仅加深了学生们对音乐评论的理解，也为他们今后的学术研究提供了新的思路和方法。
本次“华乐杯”中国民族器乐作品评论系列活动讲座不仅展示了学界在民族器乐理论研究与音乐评论方面的宝贵经验，而且为音乐学术训练和音乐评论实践提供了新思路、新方法。“华乐杯”系列活动不仅有力地推动了中国民族音乐的传承与发展，为青年学者提供了一个展示才华、交流思想的平台，也为民族器乐艺术的繁荣注入了新的活力。